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street generations affiche de l'exposition

STREET GENERATION(s), 40 ans d’art urbain

Exposition Street Generation(s), 40 ans d’art urbain
Prolongations jusqu’au 9 juillet 2017

Via les oeuvres de près de 50 artistes (Seen, Futura, Nasty, Jonone, Space Invader, Os Gemeos, Bansky, JR, Keith Haring, Miss.Tic et bien d’autres…), l’exposition présente des archives photographiques, des oeuvres issues de collection particulières et jamais présentées et même des interventions in situ à La Condition Publique, ce sont 40 ans de street art et d’art urbain qui s’offrent à nous. Un véritable panorama de ce mouvement riche et foisonnant.

Avec les précurseurs des années 70-80, c’est toute une culture et des talents qui ont émergent, créant ainsi un incroyable mouvement, esthétiquement riche et fédérateur. A près de 40 ans, le Street Art apparaît aujourd’hui sans conteste comme un mouvement artistique important de la fin du 20e siècle et du début du 21e . Une histoire commune qui s’est écrite peu à peu, un système de valeurs partagé et un corpus artistique solide existent bel et bien et le font entrer dans l’Histoire de l’Art.

C’est aussi l’occasion de découvrir une lieu unique et vraiment sympa : La Condition Publique, à Roubaix, à l’identité visuelle forte et graphique.

 

street generations photos de l'expo à Roubaix

logo la condition publique

Infos pratiques
Du mercredi au dimanche de 13h à 19h
Tarifs : 5/3 €/Gratuit -18ans et minima sociaux
14, Place Faidherbe, Roubaix
Tram, Métro : Eurotéléport (direct depuis la gare de Lille Flandres ou Europe)
Liane4 – V’Lille : la Condition Publique

Le chouette restaurant « L’Alimentation »
Ouvert du mercredi au samedi de 1midi à 14 heures.

Tous les artistes :
Jef Aérosol, Ash, André, A-One, Banksy, Tarek Benaoum, Blek le Rat, C215, Crash, DFace, Dondi, Dran, Shepard Fairey, FAILE, Futura, Keith Haring, JayOne, JonOne, JR, Katre, Kaws, L’Atlas, LUDO, Barry Mc Gee, Miss.Tic, Mode 2, Steve More, Nasty, Os Gemeos, Psyckoze, Quik, Rero, Remi Rough, Seen, Seth, SKKI, Space Invader, Swoon, TANC, VHILS, Jacques Villeglé, Nick Walker, West, YZ, Zevs, Zhang Dali, Zlotykamien…
Photos : Stephane Bisseuil, Ian cox, Yoshi Omori. OUTSIDERS : – Des friches et des lettres – Spazm, EROR729, Zuba, Benjamin Duquenne, – $.A.CREW – NORD, 2KOA, Recidivism et Sore, – MADE156 – BOULAONE, JONONE, MIKOSTIC, – DBA CREW – APLICKONE, SPECIO, TOXICK, ISHAM.
Commissariat d’exposition : Magda Danysz

 

Ring My Bell

Pâques est passée, mais les cloches sont encore dans tous leurs états ! En effet, l’Ecole d’Art de Douai, en partenariat avec le Musée La Piscine de Roubaix, présente une série d’oeuvres de céramistes créées pour la 2e édition du prix de céramique de petite forme, Expression Terre. 

Légende: Marie SAMSON … Petits puits sonores aux lignes pures et géométriques, design et poésie pour cloches à poser, Prix du jury 2015, Coulage et travail à la plaque, porcelaine émaillée et cordon coton, cuisson four électrique.

Ce prix, initié par l’Ecole d’Art de Douai, répond au souhait le plus cher du musée de partager, promouvoir et distinguer la création céramique contemporaine. Ainsi, quarante-deux cloches réalisées par 23 céramistes sont exposées au bout du bassin de La Piscine jusqu’au 11 juin 2017.

La cloche, « écho du ciel placé près de la terre » sous la plume de Victor Hugo, est l’un des plus anciens instruments sonores. Modeste et universelle à la fois, elle se présente sous des aspects les plus divers, autorisant ainsi tous les matériaux, toutes les tailles, tous les galbes, tous les ornements.

Véritable « vase sonore », la cloche est caractérisée par sa portée acoustique et son usage. Elle rythme la vie quotidienne, tant profane (rassemblement, alerte, appel, guide, fête…) que sacrée (accompagnement et ponctuation des cérémonies). Céramistes campanophiles, ils ont conçu et réalisé une, deux ou trois cloches, clochettes, grelots dont ils ont déterminé la fonction. Ces créations les révèlent artiste, technicien, musicologue, inventeur, ethnologue, bricoleur, poète, tintinabuleur…

Amélie Vidgrain, directrice de l’Ecole d’Art de Douai

 

En ce long weekend de Pâques, nous avons ainsi eu le plaisir d’admirer les différentes créations des artistes céramistes : que de possibilités et de finesse pour un seul et même sujet !

 

Crédit photo 1 : Marie SAMSON
Petits puits sonores aux lignes pures et géométriques, design et poésie pour cloches à poser, Prix du jury 2015.
Coulage et travail à la plaque, porcelaine émaillée et cordon coton, cuisson four électrique.

Hygge

Apparu dans les années 30 dans la lignée du Bauhaus, le design scandinave est un mouvement marqué par l’aspect fonctionnel et la simplification des formes. De nombreux designers se sont ainsi concentrés sur la maison : mobilier, luminaires, textiles, arts de la table,… avec des matériaux naturels comme le bois ou le cuir. Bien que le mot d’ordre soit l’épure, on retrouve souvent dans les créations une forte relation à la nature.

Les grands noms du design scandinave tels Alvar Aalto, Arne Jacobsen, Borge Mogensen, Hans J. Wegner, Verner Panton, Poul Henningsen, Maija Isola… sont considérés comme les pères fondateurs sur lesquels le nouveau design scandinave continue de s’appuyer aujourd’hui. Durabilité, fonctionnalité, fiabilité se mêlent à des valeurs moins matérielles comme l’audace, la joie, la simplicité et convergent entre autre vers un même et sympathique concept : le HYGGE (prononcer HOU-GA).

D’origine danoise et norvégienne, le HYGGE fait référence à un sentiment de plénitude et de bien-être, une atmosphère chaleureuse et une humeur joyeuse. C’est un état d’esprit positif procuré par un moment agréable et convivial. Ce terme, très courant au Danemark, se traduit difficilement dans d’autres langues, mais s’exporte très bien, notamment grâce au design scandinave ! Meik Wiking, Président de l’Institut de recherche sur le bonheur de Copenhague a récemment publié Le Livre du Hygge, Mieux vivre la méthode danoise et explique cela en quelques mots :

C’est profiter de ceux que l’on aime en passant du temps auprès d’eux, avec ce sentiment de se sentir chez soi, en sécurité.

hygge le livre sur le bonheur façon danoise

Le Livre du Hygge vous invite ainsi à découvrir les grands principes de cette philosophie de vie danoise, avec de nombreux conseils et idées pour l’incorporer à votre quotidien : se détendre et faire un break, profiter de l’instant présent, se blottir à la lumière des bougies, prendre soin de ses relations et passer plus de temps avec ses proches, s’autoriser des petits plaisirs (les gâteaux font partie du Hygge !), le tout dans une belle ambiance déco.

(On notera au passage la belle édition et les illustrations graphiques de cet ouvrage.)

Bref, le HYGGE c’est un peu le YOLO façon scandinave !

14,95 euros sur le site des Editions First !

no-rocket : studio graphique qui travaille en RVB

Voir la vie en RVB

RGB : Red, Green, Blue, (abrégé en RVB pour les francophones), nous vient de l’anglais. « Rouge, Vert, Bleu » c’est tout simplement le système de codage informatique des couleurs.

Mais l’informatique peut parfois être poétique ! Le studio No-Rocket ré-interprète cet acronyme pour devenir Riso-Graph-Blobs. Une petite série d’estampes développée pour explorer le potentiel, les possibilités et la beauté des petites imperfections de l’impression Risograph. Rouge, Vert et Bleu sont les seules couleurs utilisées pour ces compositions graphiques. Une façon de tester, de moduler et de mélanger ces trois couleurs si basiques pour obtenir une palette de teintes plus chaudes et plus complexes. En ce qui concerne l’impression, les transparences obtenues en RVB à l’écran se traduisent par des encres de soja transparentes et des effets de surimpression.

Travail de couleurs RVB par No-Rocket

Francesco Zorzi, designer visuel italien qui vit et travaille aux Pays-Bas, vogue entre la fabrication et l’illustration. No-Rocket, son studio, trouve ainsi son inspiration dans les intersections entre les disciplines et créé un travail visuel qui se distingue par une forte empreinte «pratique». Expérimenter via les techniques de la conception graphique, de l’illustration et se servir des matériaux comme des outils pour la narration visuelle.

Pour découvrir l’ensemble de son travail, son joli site présente de nombreux autres travaux de composition graphiques.

 

Crédit photos et images : Francesco Zorzi, No-Rocket

RGB / Riso-Graph-Blobs
Edition limitée à 15 (commande sur demande)
3 colors Risograph printing,
Bright Red, Green, Blue
432 x 626 mm

Foulards de la collection Printemps-Ete 2017 de Ma Poésie

Design textile

Parce que nos métiers ne se façonnent pas que sur du papier ou des écrans, certains designers travaillent les couleurs et les matières sur le tissu. Artistes touche à touche et souvent polyvalents, les créateurs textiles s’expriment sur tous types de tissus. Au fil des pages de magazines de design et sur les salons dédiés à la mode et à la maison*, nous avions découvert le style abstrait et coloré de Cassie Byrnes, créatrice textile à Melbourne et celui, plus familier, de la créatrice française Elsa Poux avec sa marque Ma Poésie.

Les deux créatrices ont imbriqué mode et maison, et déclinent leurs univers faits de motifs graphiques sur des collections de textile allant des étoles aux tapis, en passant par les coussins et allant même jusqu’à la papeterie. Il y a un aspect artisanal très séduisant qui donne envie de reprendre pinceaux et crayons pour repenser nos métiers. Nos écrans sont omniprésents et sont bien évidemment des outils indispensables, mais en tant que graphistes, il est nécessaire — et même vital — de se recentrer sur le coeur de notre activité et de revenir aux fondamentaux pour mieux se réinventer. Comme l’explique Cassie sur le site de son studio Variety Hour le process de travail allie à la perfection la dimension artisanale et la dimension digitale :

Toutes les oeuvres commencent par explorer un thème et jouer avec la couleur, le motif et l’échelle. Les peintures sont créées à partir de gouache et de pigments qui sont ensuite numérisées et travaillées pour être appliquées aux créations, aux vêtements et aux accessoires. Tous les vêtements sont conçus et taillés avec simplicité, laissant la part belle à l’impression.

Studio de Cassie Byrnes, créatrice textile australienne

Créations à la gouache de Cassie Byrnes

Créations de motifs par Cassie Byrnes

Création de motifs abstraits par Cassie Byrnes

Crédits photos : Variety Hour / © Cassie Byrnes

 

De son côté, Elsa Poux puise son inspiration aux quatre coins du monde, et revient à chaque saison avec un répertoire métissé dont elle se plaît de réinventer les codes. Ses créations rythmées et colorées, interprétations graphiques et modernes, conservent toutefois une façon de travailler traditionnelle et respectueuse.

…elle qui a su imposer rapidement un style très personnel et une identité graphique forte dont la modernité n’exclut aucune référence à une tradition lointaine ou ancienne. Bien au contraire. Ainsi Elsa Poux a-t-elle choisi, par exemple, de faire imprimer aux cadres ses créations. Une technique artisanale par laquelle formes et trames apparaissent et se composent patiemment, couleur après couleur, à chaque passage de cadre…

 

Foulard créé par Elsa Poux pour la marque Ma Poésie

Foulards de la collection Printemps-Ete 2017 de Ma Poésie

Création textile de Elsa Poux pour sa marque Ma Poésie

Tapis dessinés et créés par Ma Poésie

Au-delà du textile, le dénominateur commun de ces deux créatrices reste l’élégance !

Retrouvez les créations en vente sur leurs eshop : Ma Poésie & Variety Hour Studio

Crédits photos : Collections Mapoésie, collection PE 2017 / Photos © Eugenia Sierko

(*) Maison et Objet, Who’s Next

L’Art du papier

Ces dernières années des artistes, des graphistes et des créateurs ont mis en lumière l’utilisation du papier. Fort de ses couleurs, de ses textures et de sa grande malléabilité, il devient un outil pour sculpter et travailler en 3D, un terrain de jeu illimité pour la typographie, les beaux ouvrages et même le motion design.
Lorsque le domaine dit « print » a tendance à laisser place au digital, ces artistes du papier offrent une réponse subtile à un monde en pleine mutation.

Le studio Belge Ink Studio fête tous les ans la nouvelle année avec des créations en papier assez incroyables. Beaucoup de temps et de préparation pour des visuels qui démontrent bien toute la passion que porte le studio au papier.

création en papier du studio belge INK studio pour l'année 2015création en papier du studio belge INK studio pour l'année 2015

Nos matières premières : « la passion, et le papier » ! Nous travaillons ce médium dans une approche résolument orientée tactile design et paper design en tant qu’art du papier. Notre démarche associe le digital et le fait-main authentique. Du grain au pixel, nous traçons, découpons, plions, assemblons pour donner vie et couleurs à votre imaginaire.

création en papier du studio belge INK studio pour l'année 2013création en papier du studio belge INK studio pour l'année 2013

Crédit photo : INK Studio

 

La designer indépendante Sabeena Karnik créée des oeuvres 3D en papier coloré et a rapidement été repérée par les grandes marques pour illustrer et égayé des communications variées. Sur sa page Behance ou sur Instagram, elle présente son portfolio pro et quelques essais personnels. Elle réussit ainsi à marier la typographie (son premier amour) avec le papier sans pour autant sacrifier le digital. Et ce sont des agences et des clients du monde entier qui la sollicitent jusqu’à Mumbai où elle réside et travaille.

Travail de sculpture papier en 3D par la créatrice et illustratrice Sabeena Karnik

Pour les USA, Sabeena Karnik a été chargée de réaliser des illustrations pour l’équipe de natation Olympique. Ces 3 illustrations (non typographiques) sur le thème de l’eau, de la victoire et de l’esprit patriotique ont été utilisées pour le matériel promotionnel sur des bannières, des affiches, des calendriers, des sites, etc.

Illustrations de Sabeena Karnik pour l'équipe de natation Olympique des Etats-Unis. Création de Sabeena Karnik pour l'équipe de natation Olympique des Etats-Unis Création de Sabeena Karnik pour l'équipe de natation Olympique des Etats-Unis

Crédit photo : Sabeena Karnik

 

Enfin, le très cool site Make My Lemonade et son univers citronné surfe aussi sur la tendance du papier et met à disposition des tutos de DIY (Do it Yourself) pour fabriquer  de jolies choses en papier. On ne présente plus Lisa du studio Lemonade et ses innombrables projets en cours, mais si vous voulez vous lancer dans de belles réalisations en papier en 3D, sculpter des gâteaux ou des fruits ou même des cactus, suivez le guide !
Creations DIY en papier par le studio Make My Lemonade Creations DIY en papier par le studio Make My Lemonade

Qu’il s’agisse de décorer un évènement ou de réfléchir à un sujet de design graphique dans lequel viendrait s’intégrer des visuels faits maison, c’est l’occasion de s’inspirer !

Creations DIY en papier par le studio Make My Lemonade

Crédit photo : Make my Lemonade, Lisa Gachet

 

 

Maison Ladurée à Geneve par India Madhavi

India Madhavi, inspiration chromatique

Equilibre délicat entre couleurs, formes et matières, les réalisations de l’architecte parisienne India Madhavi sont de vraies leçons de style. Nous avions pu en découvrir davantage sur la marque et sa créatrice dans le dernier magazine de notre client BARNES. En effet, ce fut avec beaucoup de plaisir que nous avons travaillé sur l’interview de l’invitée de ce Barnes Luxury Homes N°19, dans lequel la designer se livrait sur son style, ses couleurs favorites et son actualité.

Il y a quelques semaines nous découvrions ainsi les premières images du salon de thé de la maison Ladurée à Genève : un écrin composé de mauve et de vert sapin, de formes douces et torsadées inspirées des pâtisseries et de matières contrastées allant du marbre au velours. Ce dernier né raffiné et coloré est à découvrir au coeur du très bel hôtel des Bergues à Genève.
Ladurée, Rue du Mont-Blanc 1, 1201 Genève, Suisse

Nouveau lieu de la maison Laduree à Genève, design India Madhavi

India Madhavi le dit elle-même, elle est « couleur-sensible ». C’est cet aspect de son travail qui nous inspire le plus et nous permet de penser à de nouveaux contrastes, à des mélanges subtils — souvent osés — et de se tenir informés des dernières tendances chromatiques. Chacun de ses projets est unique et a pour objectif de raconter une histoire tout en apportant de belles énergies, de la joie et de la lumière.
A Paris, le Café Français dévoile des couleurs très primaires auxquelles se mêlent les ors, tandis que le restaurant The Gallery at Sketch à Londres se pare de rose intégral. Des partis pris francs et intuitifs qui laissent deviner tout le talent de l’architecte pour capter l’identité d’un lieu, comprendre le souhait de ses clients et plaire au public en travaillant en toute liberté.
Café Français, 1-3 Place de la Bastille, 75004 Paris
Sketch, 9 conduit street, Londres

La Cafe Francais, à Paris, est signé India Madhavi pour le design haut en couleurs

Restaurant Galery à Londres, design India Madhavi

Les formes ont elles aussi ont une place prépondérante dans son travail et India Madhavi excelle dans le design de mobilier. Offrir du confort et du bien-être semble être la clé de son design. Dans son interview pour BARNES, elle s’exprimait en ces mots :

« Dans un environnement de plus en plus numérique où la vie se déroule par écrans interposés, je crois que l’on a besoin de compenser cette dématérialisation avec des textures, des formes et des couleurs qui parlent aux sens. »

Depuis 15 ans, une incroyable source d’inspiration pour le design, le graphisme et la culture visuelle !

Interview d'India Madhavi dans le dernier magazine BARNES Luxury Homes

Crédit photos : India Madhavi et BARNES

Illustration de Malika Favre pour la couverture du magazine le New Yorker

Trois ateliers de création

Instagram est une véritable source d’inspiration en matière de design, de création et d’arts graphiques. Couleurs, matières, techniques… on y découvre chaque jour avec engouement des artistes talentueux et aux styles très différents.

Trois ateliers nous ont tapé dans l’oeil cette semaine !

Avec un travail hyper graphique et reconnaissable à ses couleurs franches et primaires, ses formes sensuelles et féminines, ses ombres nettes et ciselées. Avec des jeux de contrastes qui nous évoquent les découpages d’Henri Matisse, là où son style minimaliste est un véritable écho au Pop art, l’illustratrice française Malika Favre nous envoûte avec ses oeuvres. C’est d’ailleurs ce style personnel tout en maîtrise qui lui vaut les honneurs de couvertures des plus grands magazines comme le très célèbre New Yorker ou Vanity Fair.

Illustration de Malika Favre pour la couverture du magazine le New Yorker

A admirer ici : Instagram
et à retrouver sur son très beau site

 

Emma Fisher, elle aussi installée au Royaume-uni, travaille la couleur et les techniques d’impression. Petit laboratoire d’expérimentation, ses sérigraphies géométriques et ses superpositions colorées semblent être un travail de recherche permanent où Emma essaie de retranscrire ses créations digitales sur papier. Elle a même développé une gamme d’objets pour la maison : des carnets et des impressions sur textile comme des coussins ou des torchons.

Travail graphique de l'anglaise Emma Fisher : création de carnet aux couleurs vives

A découvrir sur Instagram
et aussi sur son site

 

Enfin, les touche-à-tout Maxime Prou et Adèle Favreau du formidable Atelier Bingo ne cessent de trouver de nouveaux terrains de jeux pour leurs illustrations et leur travail graphique de motifs. Impressions textiles variées, design d’espace, graphisme pour l’édition, illustrations d’affiches ou d’albums, motifs, sérigraphies, céramiques décorées, vêtements, skateboards (LE coup de coeur graphique)… leur travail ne connaît aucune limite et cette touche arty/frenchy, avec un brin d’humour, en fait un des studio de création les plus en vogue en France mais aussi à l’international.

Quatre skateboards Elements illustrés par l'Atelier Bingo

A suivre sur leur Instagram
et bien sûr en ligne

 

Quant à nous, vous pouvez suivre nos premiers pas, notre actu ou encore nos coups de coeur sur Instagram @weareback_studio

Crédits photos : Malika Favre, Emma Fisher, Atelier Bingo

Séries d'illustrations en couleur de l'illustratrice Johanna Olk

Dessine-moi un tatouage

Aujourd’hui, cette forme d’art n’est plus aussi marginale et ceux qui veulent se faire tatouer recherchent avant tout un talent, un artiste, un style, quitte à traverser l’Europe ou les océans pour le (ou la) rencontrer et ainsi lui offrir une parcelle de leurs corps.

Un trait fin, minimaliste, des sujets mélancoliques et poétiques, un brin de typographie alliée à des aplats noirs… la jeune Johanna Olk puise un peu de son inspiration dans les codes du graphisme.

Du design industriel à la direction artistique, le talent de Johanna pour l’illustration l’a également portée vers l’art du tatouage. Après l’Australie, c’est au Pays Basque qu’elle a choisi d’installer son propre studio de création et de photo : Olkstudio. Mais c’est avec Roxanne (Pépée Tatoo) du salon l’Antichambre à Anglet, que Johanna a appris les codes du métier de tatoueur et développé son style fort, féminin et personnel.

Toutes les infos d’actus et les dates de Johanna Olk
… et aussi sur Instagram !
Enfin, pour ceux qui préfèrent acquérir une gravure ou une broche il y a  la boutique.

Vinyl Right Place, de Nathan Ball. Illustration et graphisme de Johanna Olk su olkstudio

Frédéric Agid, l’Esthète, a lui aussi su inventer un style très personnel. Graphiste, directeur artistique, directeur de création, directeur d’agence… le monde de la communication ne lui est pas étranger, mais, un jour, tout a basculé vers l’illustration, le dessin et le tatouage, ses premiers amours. En témoigne cette accroche d’expo : « ne dites pas à ma mère que je suis tatoueur, elle me croit encore dans la publicité ».

Car c’est ce goût pour le dessin qui l’a évidemment mené au tatouage et chacune de ses créations est accompagnée d’un texte. Une belle narration du pourquoi et du parce que, propre à chaque rencontre.

Parfois provocants ou ironiques, souvent poétiques et drôles, les dessins de Frédéric ont l’audace d’avoir du caractère !

Pour les parisiens, son studio se trouve au 16, rue de Bucarest, dans le 8e arrondissement, au sein du Remix coworking.

Son actualité est sur Instagram
Et sur sa page Facebook
D’ailleurs, lui aussi offre la possibilité d’acquérir une oeuvre sans toucher à sa peau sur sa boutique.

Frederic Agid, tatoueur et dessinateur basé à Paris : cartes de visite

Crédits photos : Johanna Olk, Olkstudio et Frédéric Agid 

What we are going : memory of the ocean installation de chiharu shiota au bon marché rive gauche

Chiharu Shiota x Le Bon Marché

Après la première exposition en France de créations originales et monumentales de l’artiste chinois Ai Weiwei, Le Bon Marché Rive Gauche invite l’artiste japonaise Chiharu Shiota à tisser ses toiles géantes au coeur du bâtiment. La relation entre la mode et l’art a toujours été complexe et très étroite, mais avec cette exposition, Le Bon Marché Rive Gauche offre véritablement une expérience artistique à ses visiteurs et ses clients. Une chance à saisir d’autant plus que la découverte du lieu et de l’installation est ouverte à tous et bien sûr gratuite.

Sous les verrières du grand magasin, l’artiste dévoile depuis la mi-janvier sa nouvelle installation. C’est une immense vague de fils blancs tissés et 150 bâteaux aux coques filaires qui voguent en toute légèreté, mais, c’est surtout, une belle invitation à déambuler au coeur de ces volumes organiques et poétiques. Et les espaces de circulation du très chic magasin parisien s’y prêtent à merveille ! C’est aussi l’occasion de porter un nouveau regard sur les escaliers, les allers et venues des clients et sur les belles hauteurs sous plafond du lieu.
Where Are We Going? est à explorer gratuitement jusqu’au 18 février 2017.

Si vous n’aviez pas eu l’occasion de visiter l’impressionnante exposition collective INSIDE qui a eu lieu au Palais de Tokyo en 2014 et 2015, avec, entre autre, cette immense oeuvre pénétrable en scotch du collectif Numen/for use, c’est l’occasion de vous rattraper !

Installation époustouflante, éphémère et poétique : Where Are We Going ?
de Chiharu Shiota, artiste japonaise née en 1972 à Osaka qui vit et travaille à Berlin depuis 1996.
A suivre sur son compte Instagram

memory of the ocean installation de chiharu shiota au bon marché rive gauche

EXPOSITION GRATUITE / Le Bon Marché Rive Gauche, 24 Rue de Sèvres, 75007 Paris
Jusqu’au 18/02/17
Le Bon Marché Rive Gauche est ouvert du lundi au samedi, de 10h à 20h.
Jusqu’à 20h45 les jeudi et vendredi.
lebonmarche.com

Crédit photo : Gabriel de la Chapelle